Clémence Aznavour, Les corps dans l’œuvre de Marivaux : Approches générique, morale et empiriste, sous la direction d’Elisabeth Lavezzi
Résumé : Si Marivaux est connu pour son analyse des sentiments et de la métaphysique du cœur, ses personnages, dotés d’une vie intérieure complexe, ont aussi un corps. Afin de proposer une lecture méthodique et transversale du corps, nous prenons comme corpus de départ l’intégralité des œuvres de Marivaux, sans distinction de genre ni d’époque. Il en ressort qu’il n’y a pas un corps marivaudien, unique et systématique qui traverserait toutes les œuvres marivaudiennes sans être affecté par le contexte de production, mais des corps qui correspondent à des époques et à des choix d’écriture. Pour établir ces ensembles génériques et chronologiques, nous nous intéressons aux particularités des différents genres littéraires (roman, théâtre, périodique, travestissement burlesque etc.) pratiqués par Marivaux et au contexte de production des œuvres marivaudiennes (la seconde Querelle des Anciens et des Modernes, le renouvellement de l’Académie royale des sciences et le contexte philosophique de la diffusion de la théorie empiriste de Locke).
Marion Bally, Le chevalier de Mouhy ou le roman comme survie : étude sociopoétique d’un regrattier du dix-huitième siècle, sous la direction de Florence Magnot-Ogilvy
Résumé : Le chevalier de Mouhy (1701-1784), qu’on qualifiait au xixe siècle de « romancier bourbeux », est resté dans l’histoire littéraire comme l’exemple même du « pauvre diable », envers de la figure valorisée de l’homme de lettres, et comme un romancier « moyen » ou un copiste servile. Pour les historiens, il est avant tout la mouche, journaliste-policier sillonnant les rues de Paris, à l’écoute d’une opinion publique populaire en formation. L’œuvre polymorphe de ce journaliste-romancier prolifique, qui vit de sa plume et a cherché par une écriture rapide à satisfaire l’avidité croissante de lecteurs à la recherche du scandale et de sensations fortes, n’avait jamais fait l’objet d’une saisie d’ensemble. Aussi était-elle décrite en des termes contradictoires, les critiques relevant à la fois son caractère convenu et sa bizarrerie, tantôt interprétée comme une maladresse, tantôt comme la preuve d’une étonnante modernité. Cette étude propose une lecture sociopoétique du vaste corpus romanesque de Mouhy, produit d’une écriture en situation de survie, qui diffracte à la manière d’un prisme les logiques contradictoires d’un champ littéraire en cours d’autonomisation, et les enjeux d’une poétique romanesque en voie de constitution. Entre l’homme de plume au service des Grands, l’auteur médiatique et le romancier à succès, entre le grand roman baroque et le roman-feuilleton, le chevalier offre un chaînon manquant méthodiquement refoulé pour avoir préféré la publicité à la postérité.
- Travail de publication en cours (manuscrit accepté chez Droz coll. “Bibliothèque des Lumières”)
Flavia Bujor, Une poétique de l’étrangeté : plasticité des corps et matérialité du pouvoir (Suzette Mayr, Marie NDiaye, Yoko Tawada), sous la direction d’Emmanuel Bouju
Résumé : La poétique de l’étrangeté est l’une des expressions d’un “retour au corps” du roman contemporain, par lequel celui-ci interroge sa propre capacité à représenter le monde social. Dans l’œuvre de Suzette Mayr, de Marie NDiaye et de Yoko Tawada, le corps apparaît comme un objet étrange, dont l’évidence naturelle ne va plus de soi. Il est caractérisé par sa malléabilité voire par ses métamorphoses ; en même temps, il porte les marques des catégories de la domination. La poétique de l’étrangeté peut être interprétée comme une traduction littéraire du tournant théorique « matérialiste queer », qui s’efforce de penser à la fois la dynamique du pouvoir à partir de la production des subjectivités et le caractère structurel de la domination à partir de bases économiques. Au sein du corpus, le corps est à la fois « dénaturalisé » et ressaisi comme le signe d’une histoire intersectionnelle, déployée par le processus narratif. Il n’est pas tant l’expression d’une vérité de l’identité que la construction fictionnelle d’un « point de vue situé ». C’est pourquoi son étrangeté est indissociable de sa valeur narrative : c’est à partir d’un corps fictif que s’écrit une certaine perception du monde, que se redéfinissent les formes romanesques, et que se crée un usage « étrange » de la langue. Ces mutations esthétiques rendent compte, dans des termes propres au corpus, d’une possible rupture épistémique, à partir de laquelle la nature même du corps se voit réévaluée. En s’appuyant sur un dialogue entre la théorie et la fiction, qui prend source dans leur étrangeté réciproque, il s’agit d’ouvrir quelques pistes de réflexion sur l’imaginaire contemporain du corps. Par-là, c’est aussi une certaine reconfiguration littéraire du monde social qui est impliquée.
Marie Bulté, Visions de l’enfant-soldat : construction d’une figure dans les littératures africaines, sous la direction d’Emmanuel Bouju et Isaac Bazié
Résumé : Personnage de l’entre-deux mettant à mal les frontières communément admises entre l’enfance et l’âge adulte, entre la puissance et la vulnérabilité, entre la victime et le bourreau, l’enfant-soldat est une figure marquante de notre contemporanéité. Il n’est donc guère étonnant de le voir devenir un personnage littéraire. Cette étude a cherché à déterminer, dans une approche comparatiste, quel traitement les oeuvres littéraires réservaient à ce personnage et la manière dont elles en faisaient une figure singulière. Loin de simplement reprendre un répertoire exogène de significations et prolonger la figure médiatique de l’enfant-soldat, loin de miser uniquement sur la violence de son hybridité, les romans africains anglophones et francophones construisent une figure de témoin. Ce que l’étude a souhaité rendre visible, ce sont alors les visions tant historiographiques, éthiques que politiques que porte l’enfant-soldat témoin des guerres civiles africaines.
Federica Buttò, Le Tristan en prose du manuscrits BnF fr. 756 : texte et étude, sous la direction de Christine Ferlampin-Acher
Résumé : Dix-neuf ans après la dernière publication d’un volume du Tristan en prose (2007), ce travail vient compléter l’édition s’appuyant sur le ms. BnF fr. 757 en rendant accessible la première moitié du roman, contenue dans le codex BnF fr. 756. En plus de mettre à disposition le texte d’un témoin important, la nouvelle édition met en évidence de nouveaux liens entre certains codices de la tradition manuscrite, apporte des informations supplémentaires sur les témoins utilisés pour la collatio et des éclaircissements sur l’histoire du ms. fr. 756, et contribue aux travaux linguistiques sur le franco-italien et sur le « français de Naples ». Ainsi ce travail ouvrira de nouvelles pistes de recherche sur la tradition manuscrite du Tristan en prose, qui reste un champ d’investigation ouvert et prometteur.
Zelda Chesneau, L’histoire n’existe pas, science fictions et crédit historiographique, sous la direction de Dominique Vaugeois et Richard Saint-Gelais
Résumé : À partir des années 1950, la science-fiction anglophone arrive en France. La découverte de cette littérature de divertissement stimule une réflexion commune aux amateurs de ce nouveau genre et aux futurs nouveaux romanciers sur les possibles du romanesque. De même, la diffusion du Nouveau Roman contamine la science-fiction. La crise que le roman connaît au lendemain de la Seconde Guerre mondiale transparaît dans les questionnements que se posent les écrivains de science-fiction au cours des années 1960, aussi bien en France qu’en Grande-Bretagne. Cette étude vise ainsi à mettre en évidence les relations entre le Nouveau Roman et la science-fiction entre 1950 et 2006. À partir des œuvres d’Alain Robbe-Grillet, Michel Butor et Jean Ricardou, mais aussi celles de Brian Aldiss, J. G. Ballard et des membres du groupe Limite, il s’agit d’analyser la nature de ces relations. D’une part, une connaissance mutuelle émerge grâce aux traductions d’un et des autres dans les champs français et anglais. Les auteurs se lisent, se citent, ce qui leur permet de développer un métadiscours sur leur propre pratique. De l’autre, l’écriture avant-gardiste du Nouveau Roman semble offrir les conditions d’une expérimentation pour les auteurs de science-fiction britannique et français. Il en ressort une réflexion sur la désignation générique mais aussi sur la modernité romanesque au sens large. La science-fiction prend conscience de sa littérarité et se fait une place dans le champ artistique.
Gaëlle Debeaux, Multiplication des récits et stéréométrie littéraire. D’Italo Calvino aux épifictions contemporaines, sous la direction d’Emmanuel Bouju
Résumé : Depuis les romans oulipiens d’Italo Calvino – Si par une nuit d’hiver un voyageur et Le Château des destins croisés – jusqu’aux hypertextes de fiction se joue une redéfinition de la forme et des enjeux de l’enchâssement narratif. Ce travail vise, à partir d’un corpus contemporain, à explorer les mutations que connaît cet agencement de récits perçu comme traditionnel et théorisé en France dans les années 1960 par Gérard Genette et Tzvetan Todorov. Nous proposons, avec la notion de multiplication des récits, un assouplissement de ses contours afin d’aborder un corpus d’œuvres romanesques cherchant à tisser ensemble plusieurs récits tout en brouillant les repères hiérarchiques impliqués par les notions d’enchâssement ou d’insertion. Croisant approche narratologique et prise en compte de la réception, ce travail se donne pour objectif d’interroger ce qu’est la multiplication des récits en ne perdant jamais de vue ses effets, en particulier sur la mise en intrigue (P. Ricœur) : comment comprendre et analyser la réception passionnée (R. Baroni) du lecteur face à des œuvres parfois monstrueuses, entremêlant les strates narratives et courant le risque du désordre, de la perte et de l’illisible ? Nous proposons de suivre à la trace le lecteur intrigué, protagoniste de cette étude et arpenteur ou géomètre des espaces fictionnels et textuels ouverts par la multiplication des récits, à travers sa progression dans des romans – imprimés ou numériques – qui placent au cœur de leurs enjeux la question du dispositif narratif.
Rose Delestre, Panser la vie fragile et vulnérable : fictions et poét(h)iques médiévales du care, sous la direction de Fabienne Pomel et Yasmina Foehr-Janssens
Résumé : Ce travail interroge la possibilité de lire un corpus de textes médiévaux à travers le prisme du care, en postulant que la littérature des xiie–xive siècles le représente, l’enseigne et le dispense tout ensemble. À partir de recueils de miracles, de romans et de chansons de geste centrés sur la figure de la femme persécutée, cette étude montre que ces oeuvres participent d’une authentique éthique de la sollicitude et contribuent à en enrichir la conceptualisation, dépassant la simple reconnaissance d’un travail féminin invisibilisé. Située à l’articulation de l’éthique et de la poétique, la recherche revalorise d’abord le paradigme de la fragilité à travers l’analyse de ses formes narratives. Elle déploie ensuite son argumentation dans deux directions parallèles : d’une part, l’examen des récits de miracles, envisagés comme les miroirs de débats contemporains sur le spiritual care face à la technicisation naissante de la médecine ; d’autre part, l’étude des romans et des chansons de geste, compris comme les lieux d’un care critique porté par l’émergence de voix alternatives, singulièrement féminines. Dès lors, la thèse met en lumière la manière dont la littérature médiévale anticipe et questionne les théories contemporaines du care, selon une portée méta-critique et méta-éthique. Elle défend l’idée qu’au-delà de la seule charité chrétienne, la fiction possède un pouvoir thérapeutique actif, tant sur le plan intra- qu’extradiégétique. Tandis que l’intrigue orchestre la convalescence des personnages, la réception du texte invite le lecteur à l’empathie et à la maîtrise de ses pulsions narcissiques. Se dessine ainsi un modèle existentiel fondé sur l’altérité et la sollicitude, conditions sine qua non d’un monde habitable et hospitalier, hier comme aujourd’hui. Enfin, l’analyse s’ouvre sur une dimension expérimentale en explorant la manière dont ces textes médiévaux peuvent être réinvestis concrètement au sein des humanités médicales, notamment à travers les pratiques émergentes de la médecine narrative ou de la bibliothérapie.
Marianne Di Benedetto, La chanson par les livres: légitimation d’un art populaire et définition de la littérature en France (1945-1972), sous la direction de Timothée Picard et Catherine Rudent
Résumé : Contrairement à la presse musicale, la catégorie des ouvrages dédiés à la musique n’a encore jamais fait l’objet d’une étude à part entière, ni suscité de réflexion théorique. Fondé sur un large corpus de 143 livres sur la chanson parus en France entre 1945 et 1972 – période que l’on peut appeler les Trente Glorieuses de la chanson – ce travail vise à définir un médium critique, analyser les formes diverses qu’il peut prendre (essai, biographie, mémoires, dictionnaire, anthologie) et comprendre les enjeux qu’il soulève. Alors que la place de la chanson dans le champ académique grandit depuis les années 2000 au croisement des disciplines, explorer cette musicographie singulière permet également d’étudier plusieurs représentations de la chanson ainsi que la genèse des approches critiques de cet objet hybride aux frontières du littéraire et du musical. Abordée comme un phénomène culturel de premier plan, un genre ou un art, la chanson dans ce corpus est légitimée par des discours et des images renouvelant le regard porté jusqu’alors sur une forme d’expression ancienne, longtemps considérée comme mineure. Comment écrit-on sur elle, que publie-t-on et pourquoi ? Ces livres sont notamment le reflet d’un domaine critique hétérogène qu’il s’agit de cerner. Nous proposons enfin d’analyser ces ouvrages comme un espace de valorisation de la chanson, où se joue un décentrement de la poésie moderne important à l’époque, et où s’expriment des réflexions proposant une mise à l’épreuve du périmètre de la littérature et, secondairement, celui de la musique.
Geneviève Dragon, La masure et le mausolée. Le roman de la frontière entre Mexique et États-Unis, sous la direction d’Emmanuel Bouju et Bertrand Gervais
Résumé : Ce travail porte sur le territoire mythique de la frontière entre le Mexique et les États-Unis, à l’aune de la littérature romanesque. Produit d’une histoire conflictuelle, la zone frontalière est au cœur d’une actualité terrible et spectaculaire. La violence des narcos, les milliers de migrants risquant leur vie à travers le désert, les féminicides innombrables et impunis : tout exprime la violence et l’excès. Prenant pour point de départ ce constat d’une réalité extrême et spectaculaire, cette étude montre la complexité d’un lieu mêlant différentes représentations. Ce phénomène est nommé hypertopie. Le corpus romanesque composé d’écrivains étatsuniens (James Carlos Blake, Cormac McCarthy), mexicains (Yuri Herrera, Eduardo Antonio Parra) et plus largement latino-américains (Roberto Bolaño) sert de contrepoint critique à cette hypertopie, conçue comme un débordement romanesque de la fiction sur le réel. L’étude de ces romans dévoile une représentation paradoxale de la frontière, mobile, qui s’efface et disparaît. Le travail définit le « roman total » ou roman de la porosité, capable d’accueillir en son sein une interrogation inquiète face au chaos du monde, contre lequel la littérature tente de faire front. Pour aborder un tel lieu, l’étude se propose une approche non seulement comparatiste (par des emprunts à la géocritique et des références à l’imagologie) mais plus largement interdisciplinaire, croisant géographie, histoire, anthropologie et arts plastiques.
Hélène Giannecchini, Alix Cléo Roubaud, photographe et écrivain : l’élaboration de l’oeuvre, sous la direction de Jean-Pierre Montier et Vincent Lavoie
Résumé : Alix Cléo Roubaud (1952-1983) était une photographe et écrivain d’origine canadienne. D’abord connue comme l’épouse du poète et mathématicien Jacques Roubaud, ou l’amie du réalisateur Jean Eustache, Alix Cléo Roubaud a longtempsété découverte par d’autres oeuvres que la sienne. Jusqu’en 2009, seul son Journal publié aux éditions du Seuil en 1984, permettait de découvrir ses textes et ses images. Cet ouvrage qui a permis à l’oeuvre de ne pas sombrer dans l’oubli aégalement, en l’assimilant entièrement au registre de l’intime, durablement influé sur sa réception.Cette thèse, fondée sur un corpus essentiellement inédit de plus de six cents photographies, de centaines de lettres et de textes théoriques de l’artiste, propose une nouvelle lecture de l’oeuvre. Faisant fond sur la dimension inachevée de sa production, ce travail de recherche s’attache à l’étude de l’élaboration des textes comme des photographies, mettant au coeur de son propos les notions d’intention et de production qui découvrent le faire de l’oeuvre plutôt que l’oeuvre fait.Dans une perspective photolittéraire, cette thèse propose une analyse des différentes écritures de soi développées par l’artiste, de la dimension photographique de son oeuvre, à savoir la production de photographies et la construction d’une théorie originale de l’image et, enfin, des différents moments de la réception de l’oeuvre qui ont contribué à sa compréhension, comme à sa qualification.
Sylvie Golvet, Louis Guilloux, l’ambition du romancier, sous la direction de Michèle Touret
Résumé : Cette thèse visait à comprendre comment Louis Guilloux, fils de cordonnier provincial, pauvre et sans diplôme, est devenu l’auteur du Sang noir, oeuvre reconnue comme exceptionnelle dès sa publication en 1935. La recherche s’appuyait notamment sur les documents inédits des archives de l’écrivain, pour analyser les difficultés de l’apprentissage du métier et des enjeux littéraires et idéologiques de l’entre-deux-guerres.
Adeline Latimier, Lire le nom propre dans le roman médiéval : onomastique et poétique dans le roman arthurien tardif en vers (Les Merveilles de Rigomer, Claris et Laris, Floriant et Florete, Cristal et Clarie, Melyador), sous la direction de Christine Ferlampin-Acher
Résumé : Les XIIe et XIIIe siècles voient se développer les romans arthuriens, en vers puis en prose, qui connaissent encore un vif succès à la fin du Moyen Âge. Alors qu’une mode arthurienne croît dans certaines cours, le roman arthurien doit se renouveler et les auteurs sont pris entre deux exigences. La cohérence de la matière arthurienne reposant en particulier sur une onomastique (toponymes et anthroponymes) sans cesse reprise, les auteurs doivent à la fois conserver une onomastique identifiable et renouveler personnages et lieux en introduisant de nouveaux noms propres. Nous étudierons ainsi les modalités et les enjeux de l’onomastique dans les romans arthuriens tardifs. Après avoir dressé un bilan des études onomastiques et mis en évidence l’articulation entre les enjeux anthropologiques, les pratiques attestées et la tradition littéraire, nous établirons une typologie des noms propres dans le corpus qui s’appuiera non seulement sur les éditions, mais prendra aussi en charge les variantes attestées par les manuscrits. Nous analyserons également les noms pour leur réalisme et leur pouvoir de suggestion chez le lecteur, et examinerons leur rôle dans la structure de l’intrigue. À partir de la typologie, de l’analyse sémantique et poétique et de l’étude des rapports à l’onomastique réelle, on situera la pratique des romans tardifs et on cernera la spécificité des noms propres dans le corpus choisi.
Ariane Lefebvre, Jeux intertextuels : reprise de la matière arthurienne dans Artus de Bretagne, sous la direction de Christine Ferlampin-Acher et Anne Salamon
Résumé : En tant que vecteurs de matières narratives, les noms propres constituent les premiers indices de l’appartenance d’une œuvre à un univers de fiction. Ils conditionnent un horizon d’attente, font naître chez le lecteur le souvenir de récits antérieurs, issus de traditions tant orales qu’ écrites. Si ses témoins manuscrits et éditions anciennes le nomment Artus le Restoré ou Le Petit Artus de Bretaigne, et si la critique moderne lui attribue le titre Artus de Bretagne, c’est que le roman tardif (vers 1300) examiné ici se revendique de l’univers arthurien grâce à des noms comme Arthur, Lancelot et Gauvain. Mais il s’agit pourtant d’un véritable fake out : il apparaît à la lecture du roman que les personnages venus de l’univers arthurien ne constituent pas sa principale préoccupation tandis qu’une variété d’anthroponymes et toponymes circule dans le texte, annonçant la présence d’autres matières. Le nom propre offre dès lors au lecteur un riche champ d’investigation pour saisir la poétique du roman aiihurien tardif. Ce dernier, loin de se limiter à une seule matière, tradition ou influence, déconstruit les frontières de la fiction, joue sur les décalages et sur les limites du réel et organise une géographie qui trace des frontières finalement poreuses entre chaque univers de fiction. Ce sont ces particularités que notre thèse explore grâce à l’analyse des différentes modalités du nom propre, de ses conditions d’apparition et de ses conséquences sur la poétique du roman.
Catherine Le Ferrand, La Passion Didot, étude philologique et théâtrale, sous la direction de Christine Ferlampin-Acher et Nadine Henrard
Résumé : La Passion Didot est une Passion du Christ du XIVe siècle, rédigée en langue d’oc dans un manuscrit unique conservé à la BnF sous la cote NAF 4232. C’est une œuvre qui s’inscrit dans le Cycle de Pâques et met en scène la Passion du Christ et sa résurrection. Depuis les premières observations du manuscrit, ce texte n’a été l’objet que de deux études, et n’a jamais été examiné dans la tradition théâtrale à laquelle il appartient : un corpus qui embrasse tout le territoire linguistique d’Oc, c’est à dire le sud de la France et le nord-est de l’Espagne. Cette thèse propose une édition du texte, accompagnée d’une nouvelle traduction et cherche à poser un autre regard sur l’œuvre, dans une démarche à la fois littéraire et scénique, c’est à dire en distinguant l’œuvre lue de l’œuvre jouée. La recherche du sous-texte, contenu autant dans les dialogues que dans les didascalies, ou l’analyse de la structure narrative dans son rapport avec les Évangiles, mettent en lumière une véritable intention auctoriale qui utilise la contrainte formelle de la Passion du Christ pour développer une réflexion plus personnelle.
Laurence Le Guen, Littératures pour la Jeunesse et photographie, mise à jour et étude analytique d’un corpus éditorial européen et américain, des années 1860 à aujourd’hui, sous la direction de Jean-Pierre Montier
Résumé : Si la littérature pour la jeunesse est fréquemment illustrée de dessins, qu’advient-il lorsque ces illustrations sont des photographies ? Le corpus d’œuvres pour la jeunesse illustrées de photographies, dont la recension était à peine entamée et qui s’avérait plus conséquent que supposé, requérait d’être étudié sous divers angles. L’ambition de cette thèse est de mettre en évidence les liens étroits entre les livres pour la jeunesse et l’illustration par la photographie et de mesurer les incidences des relations entre ces deux arts ou genres « mineurs », selon des perspectives historiques et géographiques larges. En circulant dans les littératures européennes et nord-américaines, de 1860 à nos jours, cette thèse démontre que la production photolittéraire pour enfants se constitue comme un véritable genre éditorial, même si aujourd’hui encore ces productions sont occultées sous l’appellation de « Littérature de jeunesse » ou, dans le monde anglo-saxon, sous celle de « Picturebooks ». Cette étude, s’inscrivant dans le champ de la photolittérature, met à jour les agencements des dispositifs phototextuels et examine comment texte et photographies s’articulent pour faire sens pour un jeune lecteur. Elle retrace aussi les liens entre quelques théories pédagogiques et la réception critique de ces ouvrages, exposant la façon dont elles sont solidaires de certaines options éditoriales.
Loïse Lelevé, Faussaires et faux dans le roman européen contemporain, sous la direction d’Emmanuel Bouju
Résumé : Étudier des mises en scènes romanesques de faussaires, c’est interroger la manière dont la fiction européenne en passe par le faux pour interroger deux grandes angoisses qui semblent définitoires de la contemporanéité : celle d’un règne de la « post-vérité » où vrai et faux se confondraient indissolublement ; et celle d’une ère de « post-réalité » où, de Debord à Baudrillard, on postulerait l’impossibilité de faire la part du réel et de l’imaginaire, du modèle et de la représentation. À cette crainte d’une confusion épistémologique et ontologique généralisée, la fiction répond par des intrigues de duperies et de manipulation qui, générant des pactes de lectures spécieux, exigent du lecteur un jeu maîtrisé de la croyance et de l’incroyance, une redéfinition méthodique de limites de l’interprétation et un engagement responsable dans l’herméneutique des textes. Construisant le faux comme objet théorique selon un double modèle, celui de l’eidolon comme image égarante et celui de la narration trompeuse du storytelling, nous explorons dans cette thèse comment la fiction européenne des années 1960 à nos jours pense, montre et narre le faux pour redéfinir ses propres frontières. Car c’est moins dans l’opposition entre fait et fiction, entre vérité factuelle et invention fictionnelle, que dans la distinction entre faux et fiction, simulacre et fiction, mensonge et fiction, que se jouent les pouvoirs éthiques et épistémiques des récits fictionnnels contemporains, postmodernes ou, comme nous qualifions les plus récents d’entre eux, « épimodernes », qui réinvestissent la réalité et ses représentations non par un retour au factuel, mais par l’enchantement de la fabulation.
Norihiro Morimoto, Fénelon pasteur et écrivain, sous la direction de François Trémolières le 26 mars 2021
Résumé
Ce travail a pour objectif de relire l’œuvre de Fénelon (1651-1715) dans son contexte et en dehors de sa réception. Pour saisir les rapports complexes entre les deux figures de l’auteur comme pasteur et écrivain, s’imposent quatre axes de recherche : la rhétorique, la pédagogie, la spiritualité et la théologie. Ils correspondent aux quatre fonctions assumées par Fénelon lui-même : le prédicateur, le précepteur, l’écrivain spirituel et l’archevêque antijanséniste. Ces fonctions permettent de comprendre la dynamique des pratiques d’écriture et de publication de Fénelon. En effet, celui-ci apparaît comme un ecclésiastique singulier dans le clergé séculier au XVIIe siècle. Dès la révocation de l’édit de Nantes, il élabore dans ses ouvrages une méthode originale d’instruction catéchétique et de controverse, tant sur le plan argumentatif que sur le plan stylistique. Sa nomination comme précepteur du duc de Bourgogne le conduit d’une part à poursuivre la réforme du monde à travers la formation d’un prince chrétien, et d’autre part à s’ériger en écrivain spirituel à la cour. C’est pour défendre sa dignité de pasteur que Fénelon multiplie ses manuscrits au moment des conférences d’Issy et ses imprimés lors de la querelle du quiétisme. Ces expériences polémiques, facilitées par le statut particulier de l’archevêque de Cambrai, servent de base à sa lutte contre le jansénisme au début du xviiie siècle. Son usage de la littérature pastorale marque un tournant décisif dans l’histoire de l’Église de France et les enjeux philosophiques et apologétiques y occupent une place de premier plan.
Mots clefs : rhétorique, pédagogie, spiritualité, théologie, quiétisme, jansénisme
Servane Monjour, La littérature à l’ère photographique : mutations, novations et enjeux (de l’argentique au numérique), sous la direction de Jean-Pierre Montier et Catherine Mavrikakis
Résumé : Désormais, nous sommes tous photographes. Nos téléphones intelligents nous permettent de capter, de modifier et de partager nos clichés sur les réseaux en moins d’une minute, tant et si bien que l’image photographique est devenue une nouvelle forme de langage. Réciproquement, serions-nous également tous écrivains ? Il existe en effet une véritable légitimité historique à penser que la notion d’écrivain, comme celle de photographe, s’étend le long d’un paradigme allant de la « simple » possession d’une aptitude technique jusqu’à la gloire des plus fortes figures de la vie culturelle collective. Cette thèse vise à déterminer comment se constitue une nouvelle mythologie de l’image photographique à l’ère du numérique, comprenant aussi bien la réévaluation du médium argentique vieillissant que l’intégration d’un imaginaire propre à ces technologies dont nous n’avons pas encore achevé de mesurer l’impact culturel sur nos sociétés. À cet égard, la perspective littéraire est riche d’enseignements en termes culturels, esthétiques ou même ontologiques, puisque la littérature, en sa qualité de relais du fait photographique depuis près de deux siècles, a pleinement participé à son invention : c’est là du moins l’hypothèse de la photolittérature. En cette période de transition technologique majeure, il nous revient de cerner les nouvelles inventions littéraires de la photographie, pour comprendre aussi bien les enjeux contemporains du fait photographique que ceux de la littérature.
Joanna Pavlevski-Malingre, Melusigne, Merlusine, Melusina : fortunes politiques d’une figure mythique du Moyen Âge au XXIe siècle, sous la direction de Christine Ferlampin-Acher
Résumé : Il peut sembler étonnant de consacrer une étude d’ampleur aux fortunes politiques d’une fée médiévale, d’une part parce qu’il est habituel de distinguer merveilleux et politique – alors que le recours au merveilleux est courant pour légitimer un pouvoir ou pour fonder une communauté politique -, et d’autre part parce que la branche maîtresse de la lignée desLusignan, dont Mélusine est l’ancêtre mythique, est éteinte depuis 1308. Pourtant, étonnamment, Mélusine, merveille suscitant des interprétations et représentations contrastées, entre dans des dynamiques politiques multiples. Dès le Moyen Âge, elle incarne des fortunes diverses, l’essor et le déclin de la lignée des Lusignan, qu’elle justifie.Instrumentalisée à des fins de domination, de légitimation et pour célébrer une mémoire lignagère dans les romans médiévaux de Jean d’Arras (1393) et Coudrette (c.1401), Mélusine s’impose au fil des siècles comme la Merlusine, la mère des Lusignan, mais aussi d’autres lignées aristocratiques, par le biais de textes littéraires, paralittéraires etd’armoiries. Parallèlement, dès le Moyen Âge, mais de façon accrue depuis le XXe siècle, cette figure lignagère est défigurée, ses enjeux sont déplacés, et Mélusine peut ainsi informer des questionnements identitaires divers, relatifs à une classe sociale ou à un individu, à la Nation ou à l’affirmation d’idées féministes.
Laurence Perron, Queeriser l’enquête/queering the inquiry : l’enquêtrice, une figure sémiotique intergénérique et intermédiale, sous la direction de Joanne Lalonde et Emmanuel Bouju
Résumé : Dans cette thèse de doctorat, j’étudie les manifestations de la figure de l’enquêtrice au sein de récits de la fin du XXe siècle et du XXIe siècle rédigés par des femmes à propos d’autres femmes. Si l’enquête a fait l’objet d’un important nombre d’études contemporaines (Laurent Demanze, Aline Caillet, Marie-Jeanne Zenetti, Ivan Jablonka, Dominique Kalifa, etc.), celles-ci sont majoritairement axées sur la rencontre interdisciplinaire entre les arts littéraires et les sciences humaines et sociales. Je choisis pour ma part d’analyser cette résurgence de l’enquête dans sa dimension intergénérique : l’enquête se situerait à l’intersection du roman policier et de la fiction biographique, et mobiliserait ces catégories sans s’y inscrire cependant de manière nette ou tranchée.Pour reprendre le titre de la nouvelle fondatrice de Poe, je considère cette association entre horizons biographique et policier comme la « lettre volée » de l’enquête : son existence est rendue manifeste par un ensemble d’allusions dans le champ théorique mais, pourtant, elle reste non étudiée par les analyses qui s’intéressent à l’un ou l’autre de ces deux genres littéraires.
Barbara Servant, Légèreté pensive et énergie romanesque : Italo Calvino, Iris Murdoch et Raymond Queneau, sous la direction d’Emmanuel Bouju
Résumé : La « légèreté pensive » est une expression employée par Italo Calvino dans l’une de ses conférences des Lezioni americane pour définir un principe fondamental de l’écriture. Distinguée des notions de divertissement et de frivolité, selon l’auteur la légèreté pensive n’est en aucun cas passive, mais au contraire active, dense, et concise. Surtout, elle est indissociable d’une capacité à mettre le regard en mouvement et doit ainsi permettre de traduire le réel dans toute sa complexité et son énergie. Cette thèse propose alors d’étudier la façon dont la légèreté contribue chez Calvino ainsi que deux écrivains majeurs de la littérature européenne du siècle dernier – Raymond Queneau et Iris Murdoch – au projet commun de faire du roman une encyclopédie « ouverte » qui se caractérise par un engagement éthique : dire le monde sans l’enfermer sous une grille de lecture univoque ou dans un égo narcissique. À la fois essayistes et romanciers, ces trois auteurs n’ont de cesse de théoriser leur propre pratique tout en cherchant à maintenir vis-à-vis de celle-ci une distance critique. La légèreté pensive induit alors ce que l’on pourrait appeler une « énergie romanesque ». Définie comme une force en acte, l’énergie caractérise ici l’intensité du texte, sa vitalité, et la capacité du roman à appréhender et à faire appréhender au lecteur différemment le monde. Ainsi couplées, « légèreté pensive » et « énergie romanesque » permettent d’éclairer la facture des œuvres tout en soulevant des enjeux tout à la fois poétiques et philosophiques.
Anne-Lise Staigre, Robert le Diable, Guillaume de Palerne, Floriant et Florete : amour, merveille et Italie, sous la direction de Christine Ferlampin-Acher
Résumé : Le roman français merveilleux du XIIIe siècle ayant précisément pour cadre géographique la Sicile et/ou l’Italie méridionale a suscité peu de travaux. Généralement, si le cadre est italien, il s’agit d’une réécriture d’un texte antique et si le roman est merveilleux, l’action est située en Bretagne arthurienne. Or, certains romans merveilleux, dont l’action se situe dans l’Italie contemporaine, sont réfractaires à toute tentative de classification selon la tripartition bodelienne. C’est le cas de Robert le Diable, Guillaume de Palerne et Floriant et Florete. Robert le Diable et de Guillaume de Palerne qui sont objectivement des œuvres difficiles à catégoriser ; en revanche, Floriant et Florete est proche du roman breton puisqu’il emploie le matériel roulant arthurien mais son cadre géographique sicilien interroge dans son contexte de création. Le choix de ces œuvres se justifie également par le peu de recherches dont elles ont fait l’objet : cet « oubli » semble lié à l’indétermination de leur matière. Une analyse détaillée de ces textes met à jour des lectures complexes : ainsi, émergent des enjeux géopolitiques, en lien avec le cadre géographique choisi, qui s’expriment paradoxalement à travers un « esprit parodique », ce qui contraste fortement avec le merveilleux qui lui-même entre en conflit avec des aspects réalistes très précis. L’ensemble de ces indices semble alors converger et faire de ces romans complexes et riches des utopies politiques, révélant une démarche auctoriale commune, visant à tenir compte d’un lectorat pluriel pour des œuvres polyphoniques à la matière finalement indécidable.
Chloé Tazartez, Après l’attentat : fictions de l’événement terroriste dans les littératures arabe et états-unienne contemporaines, sous la direction d’Emmanuel Bouju
Résumé : Les attentats du 11 septembre 2001 ont eu un tel impact et un tel retentissement planétaire qu’ils sont parfois considérés comme l’événement historique marquant l’entrée du monde dans le XXIe siècle. Si ce bornage est discutable, l’importance du terrorisme dans la société contemporaine ne l’est pas. Ce travail s’attache à analyser la fictionnalisation de ces événements et à les mettre en perspective avec des fictions sur d’autres attentats-suicides. Il en résulte que l’exceptionnalité du 11 septembre 2001 réside principalement dans sa médiatisation. Cette étude s’organise en trois parties. Dans la première, nous interrogeons l’impact d’un tel événement sur la société ainsi que les enjeux de sa représentation fictionnelle. L’attention est centrée sur l’événement en lui-même, ses dimensions traumatiques et historiques ainsi que la valeur fictionnelle qu’il revêt dans les oeuvres du corpus. Dans la deuxième partie, nous entrons davantage dans les détails des oeuvres et nous observons la problématisation du langage et des discours face à l’événement, ainsi que la nécessité d’avoir recours à l’intertextualité pour aborder le traumatisme présent. Enfin, le parcours effectué dans les deux premières parties aboutit au constat que l’événement n’est pas traité dans le détail et constitue rarement le point central des oeuvres. Ainsi, l’attention se déplace de l’événement vers ceux qui le subissent : les personnages. L’absence d’ancrage temporel très précis nous permet d’élargir notre réflexion. L’étude de la configuration narrative en triple dispositif et l’analyse de la construction des personnages ont orienté notre interprétation des fictions du terrorisme comme une invitation à repenser l’humain et la société qu’il construit.
Domenico Tenerelli, L’arte e la vita. Pirandello e Capuana, sous la direction de Antonella Del Gatto et Edwige Comoy Fusaro
Résumé : La thèse a été menée dans le but d’élucider les questions les plus complexes et les plus intriquées au cœur des relations entre l’Art et la vie chez les deux écrivains siciliens. Les axes herméneutiques qui structurent cette recherche sont explicités dans le titre, témoignant non seulement de notre conviction quant à l’impossibilité de dissocier ces deux dimensions dans le cadre d’une étude critique sur un ou plusieurs auteurs, mais aussi – et surtout – du rôle sublimatoire que joue l’art vis-à-vis de la vie. Celle-ci devient ainsi Art, avec un «A» majuscule, une «vie supérieure» à travers laquelle l’auteur exprime ses tensions existentielles et idéologiques les plus profondes, grâce à un processus de transfiguration et de recréation, conformément aux principes poïétiques que Pirandello hérite précisément de Capuana et que nous avons tenté d’illustrer au cours de notre travail.
Blanche Turck, Accueillir le lointain des poétesses en traduction. Pour une redéfinition des espaces de transmission, à partir de Marie de France, Sylvia Plath, Susana Thénon et Laura Kasischke, sous la direction d’Isabelle Poulin et de Nathalie Brillant Rannou
Résumé : Cette thèse s’intéresse à la lecture et à l’enseignement, en classe de français, d’un corpus de poétesses traduites en français. Nous faisons l’hypothèse que le geste traductif permet de questionner et de réinventer les pratiques de lecture poétique dans la classe, tout en y favorisant l’accueil de nouveaux textes. Nous articulons, d’une part, les travaux de didactique s’intéressant à la réception du poème dans la formation des sujets lecteurs et lectrices et, d’autre part, les travaux comparatistes cherchant à déterminer les modalités spécifiques de la lecture des textes traduits. Nous établissons alors l’intérêt d’une modalité de lecture prenant en compte le poème source en relation avec ses différentes traductions. C’est ce que nous appelons la « lecture traduisante », qui est à la fois : une pratique de lecteur ou de lectrice ayant conscience que, d’un texte source, une pluralité de traductions existent ou sont possibles ; une lecture active et processuelle intégrant nécessairement des temps d’écriture ; une modalité de lecture à la fois critique et créative, rendant visible la subjectivité lectrice. La lecture traduisante est également informée par la dimension créatrice et agissante de la traductologie féministe : la visibilité et l’agentivité des traductrices et traducteurs en sont, en effet, des enjeux centraux.Nous travaillons à partir d’un corpus de poétesses diversement traduites en français : Marie de France, Sylvia Plath, Susana Thénon et Laura Kasischke. Nous observons les pratiques de leurs traductrices et traducteurs afin d’envisager les apprentissages engagés par la lecture traduisante en classe de français : négociation des représentations génériques ; attention à la langue et au détail du poème ; accueil positif de la diversité des traductions, donc des réceptions du poème. Travailler à partir d’un corpus historiquement minoré, la poésie écrite par des femmes, nous aide à mettre en évidence la dimension politique de la lecture traduisante en répondant conjointement à ces deux questions : que lire et comment ? Nous envisageons la lecture traduisante comme une modalité de lecture émancipatrice, conjointement sensible et critique, mais également comme un point de vue particulier pour penser la constitution et l’étude des corpus poétiques disponibles dans les classes de français. Notre travail d’élaboration théorique a donné lieu à la création d’un dispositif didactique testé auprès de deux classes de troisième et d’une classe de première, dans deux établissements scolaires. La quatrième partie de la thèse est entièrement dédiée à l’analyse des données issues de cette expérimentation.
Noëmie Vermoesen, La critique des musiques électroniques dansantes (Allemagne, France, Royaume Uni), sous la direction de Timothée Picard
Résumé : Dans Energy Flash, le critique musical Simon Reynolds déclare que contrairement au rock, les musiques électroniques dansantes ne relateraient pas une expérience, mais la construiraient. L’ouvrage séminal de 1998 assure que cette expérience « ne pourrait être documentée » et qu’elle engendrerait une culture « amnésique » et « non-verbale », renforçant ainsi le lieu commun selon lequel la techno serait indicible. Or est-il vrai que ces musiques auraient suscité un moindre effort critique ? Peut-on véritablement penser qu’elles seraient encore plus difficiles à écrire, décrire et critiquer que d’autres genres musicaux ? En rassemblant les affirmations d’un défi sans précédent, telles qu’elles adviennent dans les textes au sujet des musiques électroniques, quatre axes surgissent autour desquels se cristalliseraient des difficultés esthétiques spécifiques: ces musiques sont (1) électroniques, (2) dansantes, (3) destinées à être mixées et (4) évasives. Un parcours de cette littérature révèle pourtant que la techno aurait entretenu un rapport foisonnant au mot. En observant la presse parue en Allemagne, en France et au Royaume-Uni entre 1986 et 1999, se dessine également un vaste panorama de publications. La quantité de textes répertoriés ne garantit toutefois pas l’absence de difficulté et l’abondance des tentatives renvoie la problématique du côté de l’ineffable. Au-delà d’une cartographie de textes pléthoriques, cette thèse analyse et compare plusieurs articles et chroniques au sujet des musiques électroniques dansantes, ainsi que des entretiens avec leurs auteurs. Le mythe de l’impossibilité ne reposerait pas seulement sur des caractéristiques esthétiques mais soulèverait aussi des enjeux éthiques. En effet, il n’est pas anodin qu’un discours critique hérité d’une tradition rock – essentiellement blanche et hétéronormée – ait été désemparé face à une musique issue de communautés marginalisées. Enfin, tout en éclairant les enjeux de représentation et de responsabilité, cette recherche ne rejette pas entièrement la possibilité d’une expérience esthétique singulière, ravissante et au bord des mots.